BODY ART


Desde el 1997 Grazia Scioscia reconoce en sus performances una nueva formación. Sus modelos son los expresionistas, los surrealistas, los vanguardistas alemanes (escuelas nacidas de la Bauhaus) y también el Arte Conceptual de Cristo.

En sus espectáculos de Danza-Teatro hay una atmósfera alucinante de soledad, sueño, amor y muerte. Su cuerpo y los mínimos objetos a los que recurre alcanzan una conjunción simbólica.

El cuerpo integrado a una pieza estatuaria provoca en él un movimiento que alcanza la densidad expresiva de un arte cinético. En otros espectáculos, el cuerpo, fusionado a su pintura, proyectada sobre él, crea su forma de arte, espacio y color.

La poesía tiene un rol dramático en sus performances, a través de poetas como Antonin Artaud, Pablo Neruda, Rabindranath Tagore, Nazim Hikmet, Paul Eluard, Jacques Prevert. También tienen un rol los filósofos Arthur Schopenhauer y Friedrich Nietzsche.

La música es integrada a su obra a través de creadores distinguidos: Pierre Henry, Stephan Micus, Philip Glass, Penderecki, Yenkis, Pink Floyd, Wagner, Puccini, Verdi.

“(…) La artista crea en la libertad del espacio una escritura. El cuerpo habla desde el temblor emotivo creando una huella, un trazo”.
Rosa Faccaro
Crítica de arte
Revista Magenta Año XI
Marzo 2003

La más narrativa de todas las performances de Scioscia, Isabella narra la historia de la poetisa italiana Isabella Morra, quien, debido a su amor prohibido hacia un forastero, muere trágicamente en manos de sus hermanos. Su fantasma aparece en un castillo y repite con gestos, movimientos y colores su triste destino. La tensión dramática crece a medida que avanza la fatalidad y el cuerpo de la artista se transforma en una escultura que lucha por deshacerse de lo que vendrá. Los tules que la ocultan son los velos de una sociedad feudal que les niega a las mujeres la lectura, la escritura, el conocimiento y el amor. Contra esa concepción se rebela Isabella, atraviesa la muerte y convierte su lamento en un grito colectivo que le impide el paso a la soledad y al desamor.

Los ángeles del paraíso se construye sobre la expresión de un deseo: exorcizar a la muerte. Para lograrlo apela a un universo femenino de rasgos e identidades muy variados. Con pluma y lápiz de color diseña a estas mujeres cuyos gestos y miradas mueven al humor. La música flamenca y el ensamble de percusión contribuyen a la creación de un clima festivo.
Pero estos personajes presentan una particularidad: son mujeres encajonadas, sus féretros, invisibles les impiden moverse libremente. Sin embargo, no se rinden y luchan por escapar de los ataúdes, de allí las contorsiones de brazos y piernas. El combate contra la muerte es también la batalla contra el encasillamiento y la dominación a los deben someterse en una sociedad regida por valores masculinos.

El misterio del amor es concebido como don divino o como hechizo; y en este desdoblamiento se resume el sentido de la obra. El milagro y la magia se transforman en dolor y destrucción ante la pérdida del ser amado. La fragilidad de la relación amorosa tiene su correlato en la creación artística. La utilización como escenografía de pinturas sobre papel de arroz permite vislumbrar el delgado límite que existe entre los opuestos y lo quebradizo de la comunicación humana. Como en obras anteriores, también aquí se combinan lo figurativo y lo abstracto, la música de Ravi Shankar, Pendereki y Pink Floyd con el diálogo poético entre Castelpoggi, R. Tagore y Nazin Hikmet. Todo integrado en la danza de Scioscia, por cuyo cuerpo traspasan y repercuten fugaces momentos de plenitud

Diamorphoses es la historia de un viaje interior. La acción transcurre en una noche, en un sueño de pasión, amor y muerte. La performance integra las pinturas de Scioscia, realizadas con técnicas diversas y experimentales con música ensamble de Penderecki, Ravi Shankar y Pink Floyd, su propio cuerpo en escena y la voz humana en la palabra poética de Antonin Artaud y Atilio Castelpoggi.
Pero la poesía no es ni grandilocuente ni melancólica, sino jadeante, en un intento de rescatar ese jadeo primigenio que atraviesa tanto el nacimiento como el amor y la agonía.
El cambio de estado se manifiesta en la pintura-escenografía en el pasaje de lo figurativo a lo abstracto. Los colores se desplazan de la alegría al dolor y la incertidumbre y regresan nuevamente a un estado de plenitud donde, a pesar de las dudas y las pérdidas, se festeja la posibilidad de vivir.

Espacio de extensa tradición mítica, el jardín alude al Edén, al paraíso que se construye en el encuentro amoroso. Una manzana verde que transforma al pecado en esperanza y una pareja que danza y traza con el movimiento de sus cuerpos una geometría del amor. Paralelamente, una mujer que representa a Van Gogh en el hospicio trasmite sus sentimientos por medio de la escritura; cada carta dirigida a su hermano Theo es la reafirmación de un lazo con un mundo apartado de la alienación.
La música de G. Puccini, Phillip Glass, Michael Garrè y la pintura que proyectada como escenografía cuenta la historia del amor en Occidente se complementan con la compaginación de poemas de Pablo Neruda leídos por el propio autor.
El jardín de las caricias combina un espacio y un tiempo: la primavera, en los que florecen como los cerezos, las manifestaciones humanas del amor. Sin dioses ni castigos, la obra asevera que el paraíso se encuentra en la tierra y es una creación de los hombres.